Decoración, muebles y electrodomésticos de la década de 1950. Parte 1/2

Una introducción a la decoración de los hogares de Estados Unidos de la década de 1950.

 

 

Apariencia general

 

Los años 50 fueron una época próspera para las familias de clase media en Estados Unidos. Las nuevas familias se instalaban lejos del centro de la ciudad, en los barrios residenciales de la periferia. Había más tiempo para relajarse y disfrutar del ocio. El diseño de interiores era divertido y vibrante.

La característica del diseño en la década de 1950 son los diseños limpios, con una influencia escandinava, el espacio (el cosmos) y las formas inspiradas en la era atómica, también conocida como Mid-Centuy Modern. Este estilo, ahora tradicional en Estados Unidos, sigue siendo popular, pero hoy en día se logra con nuevos materiales.

También fue muy popular el estilo Western, abundando las películas del Oeste y apareciendo héroes de la televisión, como los cantantes-actores Gene Autry y Roy Rogers. Incluso entonces, la decoración de estilo Western solía relegarse a las habitaciones de los niños pequeños y a las salas de juegos familiares.

 

 

Colores

 

En Estados Unidos hubo tres principales tendencias de color en los años 50: pastel, moderno y escandinavo.

En los colores pastel fueron importantes el rosa, el turquesa (azul verdoso), el verde menta, el amarillo pálido y el azul. El color turquesa fue muy popular.

Los colores modernos fueron el amarillo vibrante, azul eléctrico, naranja, rojo, negro y blanco, eran colores limpios y brillantes. El resultado que se buscaba era crear un marcado contraste entre los colores, siendo significativamente popular la combinación entre el rojo, blanco y negro.

Los colores escandinavos eran tonos de marrón, crema, gris y verde. Estaban fuertemente influenciados por la naturaleza y era un esquema de color sofisticado.

 

 

Muebles

 

En los años 50 había desde cómodos muebles tradicionales tapizados hasta muebles escandinavos con maderas claras y líneas limpias, pasando por la era espacial y las formas orgánicas (como una mesa de café con forma de boomerang).

Se prefirieron los armarios de cocina de acero esmaltado de aspecto limpio en blanco con encimeras de formica de colores.

Las sillas de estructura cromada y asiento y respaldo de vinilo se combinaban con mesas de patas cromadas con tapa de formica, resultando modernas y duraderas.

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También se llevaron los sillones con reposapiés y sillas de líneas muy limpias, de madera contrachapada moldeada, con formas curvas y cómodas, de estilo Eames.

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En Estados Unidos, los propietarios de las casas tenían más tiempo libre (porque ya pasó la guerra) y necesitaban muebles de picnic y de exteriores, así como parrillas y sus accesorios. Los bares en casa también se volvieron importantes.

El color azul fue muy popular en los muebles de cocina en los años 50 y el color rosa en los baños (suelo, baldosas, lavabo, etc.). Había varios tipos de comedores, por ejemplo, de colores pastel con un diseño de estilo atómico. El salón podía ser de estilo escandinavo o bien moderno, con espacio y colorido.

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Suelos

 

Desde su introducción, el linóleo fue considerado como un producto utilitario y económico para los suelos. El linóleo en los años 50 estaba disponible en colores y patrones brillantes y modernos y se usaron en casi toda la casa, sobre todo en las cocinas. Las losetas cuadradas de linóleo se colocaban alternando colores, como blanco y negro o blanco y rojo. El vinilo se popularizó en la década de los años 60. El linóleo y el vinilo no son iguales, están fabricados de diferentes componentes. El linóleo se fabrica de materias primas naturales, es resistente al agua y al tránsito de personas, es hipoalergénico, tiene una gran gama de colores y su color perdura más que el vinilo. El linóleo se limpia con detergentes neutros, no alcalinos, y se usa agua fría para su limpieza. También hay que decir que es algo más difícil de encontrar que el vinilo, es un poco más caro, se daña con objetos punzantes y pesados y no se puede poner directamente sobre cemento. El linóleo se vende en rollos y en losetas.

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Por otro lado, la madera noble seguía siendo un material popular en los suelos en los años 50. En las cocinas no se solía poner, porque era más práctico el linóleo. La tendencia dominante era el parquet de tablillas o lamas de roble rojo americano o/y roble blanco americano de 1 ½» (3,81 cm.) de ancho, colocándose en el salón, comedor y dormitorio. Ocasionalmente de 2 ½» (6,35 cm.) de ancho de roble rojo y raramente de arce. También puede haber otras medidas. La mayoría de las casas de los años 50 en Estados Unidos eran de planta baja, pero en las casas que eran de dos alturas se usaba la misma madera noble de la planta baja en la planta superior. La escalera casi siempre de roble rojo.

Aunque las alfombras han sido populares durante años, la moqueta instalada de pared a pared fue algo nuevo y estuvo disponible en una amplia gama de colores y texturas.

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Tejidos

 

Se pusieron de moda diseños de estrellas, rayas, cuadros y lunares. También los gráficos de la era atómica inspirados en el espacio y la ciencia, como planetas, galaxias y el famoso patrón con boomerangs, que se utilizaron en papel pintado, manteles, cortinas y telas para tapizar muebles. No fue extraño colocar papel pintado con un patrón atómico por encima de los muebles de la cocina antes de llegar al techo.

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Asimismo fueron muy populares las telas de hule con estampados de frutas, flores y diseños abstractos en manteles, delantales e incluso cortinas.

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Los plastificados ahora estaban disponibles para los muebles, manteles y papel de pared, siendo los colores más vibrantes que nunca.

 

Se llevaba la tela de corteza (barkcloth), que es una tela pesada de algodón denso, suave y ligeramente texturizada que se asemeja a la corteza rugosa de un árbol, con diseños de estampados atómicos, florales, tropicales, escenas Western… y se utilizó para cortinas, tapizar muebles y manteles.  Además también se puede usar para hacer cojines, un chaleco, un bolso o una falda.

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Accesorios de decoración

 

Aparecieron motivos de la era atómica en cristalería y telas. Se pusieron de moda los relojes de pared redondos con rayos de sol como radios (sunburst) y relojes de pared de estilo atómico, de formas triangulares o trapezoidales irregulares con las esquinas redondeadas o bien relojes redondos con radios y en cada uno una bola (como un electrón). Eran de metal o madera. En esta época el plástico se utiliza por primera vez como material para accesorios.

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En una cocina de los años 50 se podía encontrar electrodomésticos cromados, plásticos de color pastel, paneras y botes de acero inoxidable o esmaltados. Fueron muy populares los coloridos platos y tazones de melamina (un material plástico) y de Melmac (una marca), además de recipientes o envases de Tupperware.

Las lámparas ya no eran sólo para iluminar, sino que se convirtieron en declaraciones de decoración de interiores con formas escultóricas (animales como caniches o gacelas), geométricas y abstractas (de la era atómica). Estas lámparas estaban rematadas con pantallas de papel pergamino de fibra de vidrio o de tela en colores sólidos, estilo atómico o con estampados geométricos.

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Los accesorios de cerámica de colores y los azulejos en los baños estaban de moda, especialmente en rosa y otros color pastel.

 

 

Nuevas tecnologías

 

Para facilitar las tareas del hogar para ganar más tiempo libre se generó la producción de numerosos electrodomésticos de encimera para la cocina, como batidoras, licuadoras y cafeteras cromadas y de acero inoxidable.

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En cada hogar había una lavadora y una secadora, y quienes podían permitírselo instalaban hornos dobles.

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El entretenimiento en el hogar se revolucionó ahora que casi en todos los hogares podían permitirse un televisor y un tocadiscos.

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Acceso a parte 2

 

Conciertos y crisis del coronavirus (I)

1 de febrero de 2021

 

 

En estos tiempos de pandemia se han visto reducidos drásticamente los conciertos, festivales y actuaciones en vivo, para así evitar aglomeraciones de personas e intentar evitar la propagación del coronavirus. Llevamos ya algo más de un año desde el inicio de esta situación, estamos en la tercera ola, y la mayoría nos preguntamos cuándo se va a acabar, para volver a hacer una vida normal y para poder ir, entre otros sitios, a un concierto o festival, y disfrutar de nuestra música sin ningún tipo de impedimento.

Los grupos de música de la escena rockin’ en España (y todos los demás) han visto cómo sus actuaciones se han mermado considerablemente, y por tanto sus ingresos, por lo que han tenido que reinventarse para poder subsistir e intentar no perecer. Lo mejor que se puede hacer en estos momentos para apoyar a nuestros grupos es comprar sus discos y material por internet y acudir a aquellos conciertos que se puedan celebrar.

Algunas salas de conciertos, donde no estén en zona roja, ofrecen actuaciones, pero con restricciones, colocando mesas separadas con sus sillas, por lo que el aforo es limitado y se acaban rápido las entradas. Además hay que llevar mascarilla y puede que se tomen otras medidas. Igualmente, los horarios de los conciertos son por la tarde o al mediodía, a causa del toque de queda. Son actuaciones sobre todo de grupos locales, por el tema de las restricciones de movilidad entre municipios o provincias. Hay que señalar que las salas de conciertos acumulan millones de pérdidas en España, además de bares, toda la hostelería y otros sectores.

En Estados Unidos, un grupo de rock psicodélico realizó dos conciertos con los músicos y asistentes metidos dentro de burbujas gigantes. Los músicos en burbujas individuales y el público en burbujas de hasta tres personas convivientes, con oxígeno para una hora y diez minutos. Quizás podría ser una solución, pero sería un tanto aparatosa y costosa. También se han dado conciertos en autocines al aire libre, con los asistentes dentro del coche y el grupo tocando en un escenario situado debajo de la pantalla. Por cierto, los autocines tuvieron su boom en los años 50.

Está previsto, si no hay retrasos, que desde el mes de junio en adelante se empiece a vacunar a la población en general en España. Según el Ministerio de Sanidad el 70% de la población estará vacunada en verano, aunque quizás sea demasiada optimista esta previsión, siendo una fecha más realista a finales de este año. Si fuera en verano (ojalá), es posible que se empiece a dislumbrar una cierta «normalidad”, pero sin dejar de llevar mascarilla, y puede que se pueda acudir al festival High Rock-A-Billy, aunque sea con alguna restricción, ya que se celebra a primeros de septiembre.

Por otro lado, el Gobierno ha establecido que quienes sean avisados para vacunarse y se nieguen, sus nombres pasarán a un archivo que podrá compartir con el resto de países europeos para que éstos puedan no dejar entrar (o devolverlos) a España. Además, para entrar en algunos países, como Francia o Alemania, se necesita una prueba PCR negativa realizada previamente antes de viajar. También se habla del pasaporte covid.

Hay expertos que dicen que volveremos a la normalidad, a efectos de salud, a finales de 2021 y otros en el año 2022. Y expertos en economía vaticinan que regresaremos a la situación económica prepandémica en España a finales de 2023 ó bien en 2024. De modo que parece ser que esto va para largo y la mascarilla tendremos que seguir llevándola durante mucho tiempo.

Esperemos que en un futuro próximo se vaya solucionado todo poco a poco, podamos volver a hacer una vida normal y se pueda ir a los conciertos y festivales como algo natural y habitual.

 

 

Acceso a parte II

 

Gorras y sombreros. Parte 2/2

Sombreros de hombre que se llevaban en la década de 1950.

 

A lo largo de la historia hombres y mujeres han estado llevando sombreros como un complemento en el vestir. Hoy en día es poco habitual ver a la gente llevar sombrero por la calle. Sin embargo, el sombrero tiene sus funciones prácticas, ya que da calor cuando hace frío, protege del viento, protege del sol en la cabeza, da sombra en los ojos en los días soleados y además protege de la lluvia si tiene ala ancha. Asimismo es un complemento que marca estilo y da un punto de elegancia a quien lo lleva puesto.

La década de 1950 en Estados Unidos fue tanto la edad de oro de los sombreros como el principio del fin de toda una era. Los sombreros masculinos estaban perdiendo popularidad a medida que la década acogía una generación sin sombrero, debido a que la mayoría de los hombres dejaron de usarlos en los años 60. Se dice que al llevar los hombres el pelo con tupés no se llevaba sombrero para poder lucir el peinado y, además, al hacerse más común el uso del coche molestaba el sombrero para entrar al vehículo y mirar a los lados. 

Los años 50 llegaron con toques de color y nuevas formas divertidas. Se usaron tanto fieltro de lana como sombreros de paja trenzada para el verano.

Los sombreros que más se llevaban en la década de 1950 en Estados Unidos fueron los siguientes: el fedora, el trilby, el pork pie, el canotier y las gorras (ver parte 1). Menos habitual era el homburg y el sombrero de andar. Los sombreros vaqueros fueron populares entre los cowboys y para aquellos que escogían vestir como los rancheros o los vaqueros. También se puso de moda entre los más jóvenes el sombrero de piel de mapache.

 

Antes que nada es mejor conocer las partes de un sombrero. Estas son:

 

  • Copa: es la parte que nos cubre la cabeza, la parte de arriba del sombrero que se adapta a la forma de la cabeza. Muchas copas, en la parte alta, suelen llevar unas esquinas, llamadas pellizcos, produciendo unos huecos o abolladuras, lo que hace que le dé la forma característica del sombrero.
  • Ala: está en la base de la copa y recorre el perímetro del sombrero sobresaliendo para proteger el rostro, sobre todo del sol, o también para estilizar el atuendo. Si es de ala ancha protege el cuello de la lluvia.
  • Cinta: sirve para adornar y caracterizar al sombrero, se sitúa en la parte inferior de copa. Además de darle forma evita que se ensanche, normalmente es de grogué. Algunas cintas sujetan una pluma como adorno. Hay algunos sombreros que llevan un pequeño cinturón, o correa, de adorno o para ajustar la copa a la cabeza.
  • Badana: es una tira de material suave que está en la parte interna de la copa y que entra en contacto con la cabeza. Sirve para ajustar bien el sombrero y para detener el paso del sudor.

 

Veamos los sombreros uno por uno:

 

Fedora. Al sombrero fedora también se le llama Borsalino, ya que esta marca italiana fue quien lo inventó. Este sombrero es de ala ancha y es famoso porque lo llevaban los gangsters de los años 20 y 30. También Humphrey Bogart lo solía llevar. En los años 50 estos sombreros eran de un solo color y llevaban la cinta haciendo contraste, o bien del mismo tono de la copa, y a veces llevaban un adorno de pluma. Los fedora estaban en marrón, tostado, verde, azul, gris y negro. Los tejidos eran de fieltro de piel y en verano de paja trenzada. El ala de la parte trasera estaba ligeramente levantada. A principios de los años 50 estos sombreros se llevaban ligeramente inclinados hacia delante y a finales de la década inclinados hacia atrás. El ala se iba haciendo cada vez más estrecha a medida que avanzaban los años 50, coexistiendo de ala grande, ala mediana y ala corta (el trilby). A finales de la década se llevaban cintas estrechas de cuero o cintas de fieltro, y anudadas, en vez de tener un lazo. Un sombrero parecido es el sombrero de viaje (traveller). Para saber más sobre los sombreros fedora un artículo muy completo (en inglés) Gentleman’s Gazette. Sombreros fedora en la mítica marca Borsalino. En la tienda francesa Bon Clic Bon Genre. En la tienda barcelonesa Sombrerería MIL.

 

Trilby. El trilby es muy parecido al fedora, tiene la misma copa y forma de ala, pero la principal diferencia es que el ala es más corta o estrecha. Fue popular en los años 50, pero quizás más en los 60. Lo solía llevar Frank Sinatra. Los colores y tejidos son iguales que el fedora. Un sombrero parecido al trilby es el llamado player, que tiene todo el ala levantada hacia arriba, dándole un toque más desenfadado. En algunos modelos del player se pueden bajar el ala y quedar igual que un trilby. Sombreros trilby en la tienda Bon Clic Bon Genre. En Sombrerería MIL. Sombreros clásicos de ala corta en la sombrerería madrileña Casa Yustas. Sombreros del tipo player en Bon Clic Bon Genre.

 

Pork pie (pastel de carne de cerdo). La forma de la copa recuerda a este pastel inglés, siendo la copa oval vista desde arriba. Fue popular en los años 40, pero regresó a los años 50 con más colores y un estilo más simple y refinado. Este sombrero se pasó de moda a mediados de los 50, pero se mantuvo la versión de paja durante la década de los 60. También se le llamó sombrero de copa telescópica. Se llevaba de ala plana o el ala trasera ligeramente levantada. Estaban en color gris, marrón claro y verde oliva. Materiales en fieltro de piel o en paja. Se colocaba en ángulo o inclinado hacia atrás. Sombreros pork pie en la tienda británica Village Hats. En la tienda francesa Bon Clic Bon Genre.

 

Canotier, también llamado gondolero o boater (de los equipos de remo). Ideales para el verano eran construidos con diferentes grosores de paja trenzada a mano en color natural. La copa es plana y no muy alta, con un ala plana y moderadamente ancha. Las cualidades únicas de estos sombreros eran las cintas, que eran de sedas anchas y grogué, con rayas llamativas, cuadros y estampados geométricos, combinando con los trajes. También se hacían de paja el fedora, el trilby y el pork pie. El sombrero Panamá (original de Ecuador) también es de paja trenzada. El canotier en la tienda francesa Bon Clic Bon Genre.

 

Sombreros menos comunes:

 

Homburg. El nombre proviene de Hamburgo (Alemania). Este sombrero es un fedora de estilo tirolés. El sombrero homburg tenía un estilo más formal que el fedora. Es un sombrero muy elegante, para ir de etiqueta o ceremonia, o con bonitos trajes de negocios. Tiene una profunda abolladura en el centro, el borde del ala levantada y los laterales elevados. Se mantuvo el estilo de la década de 1940 en la década de 1950. Se llevaba hacia delante, cubriendo casi toda la frente. Colores: marrón oscuro, azul oscuro, gris y negro. Material de fieltro de piel. Este sombrero lo solía llevar Winston Churchill y además fue apodado como “El Padrino”, ya que Al Pacino lo llevaba en esta película. En la tienda británica Village Hats.

 

Sombrero de andar (walking hat). Este tipo de sombrero fue más común en Europa que en Estados Unidos. Es parecido al trilby, pero está ideado para caminar. El material es sobre todo de tweed para invierno y en verano en algodón con cuadros. Se usa ceñido sobre la cabeza y frente. Un sombrero parecido es el gorro de cubo. En la tienda Sombrerería MIL.

 

Todos estos sombreros arriba mencionados eran un complemento en el vestir del hombre de la década de 1950 que acompañaba al traje y corbata (y chaleco), americana combinando con pantalón de vestir, abrigo de vestir, gabardina… El trilby y el pork pie van bien con trajes (o americana y pantalón de vestir) rústicos en color marrón, sobre todo de tweed, incluso con un suéter debajo de la chaqueta. El homburg combina con trajes negros o azul marino.

También pueden ir bien con chaqueta de Hollywood (el fedora), cazadoras de cuero, chaqueta de gabardina (o Ricky), cazadora Harrington…

 

 


 

Sombreros vaqueros. En Estados Unidos se produjo un revival del Viejo Oeste del siglo XIX en el siglo XX. Esta época tuvo lugar desde los años 30 a los 50 y es conocida como el auge del Western, con películas y series de televisión de este estilo, al igual que la ropa. El uso práctico de un sombrero vaquero es proporcionar sombra, protección contra los elementos y dar calor al portador. Pero además también se puede usar para avivar el fuego de una hoguera, como recipiente para beber agua o para ondearlo desde el caballo para llamar la atención de un compañero en la distancia. En el siglo XIX había muchos tipos diferentes de sombreros de vaquero, pero el modelo “Boss of the Plains” (foto de arriba), creado en 1863 por John B. Stetson, fue el que estableció el standard en la producción en serie de sombreros vaqueros. Más adelante, en las décadas de 1940 y 1950, la industria de Hollywood creó sus propios estilos de hombres vaqueros (que no solían tener rigor histórico) y que luego se reflejaron en la moda vaquera de la calle, llevando unos estilos de sombreros homogeneizados desde la gran pantalla hasta las estanterías de las tiendas. Los artistas y bandas de música western swing, country & western y similares, popularizaron aún más el uso del sombrero vaquero más allá de las grandes zonas ganaderas, ya sean auténticos vaqueros o no. A día de hoy, estos sombreros los llevan los trabajadores de los ranchos en el oeste y sur de Estados Unidos, en el norte de México y en el oeste de Canadá. También los llevan aquellos que escogen vestir como los rancheros o los vaqueros. El material es de fieltro de piel o bien de paja. Algunos sombreros llevan un barbuquejo, que es una cinta para amarrarlos bajo la barbilla. El sombrero vaquero va bien con cazadoras vaqueras, chaquetas Western de gabardina, chaquetas chimayo… e incluso con traje y corbata, o mejor, corbatín o lazo de terciopelo. Es ideal con botas vaqueras. Otros sombreros parecidos son el gambler (jugador de cartas), el gaucho (vaquero sudamericano) y el outback (sombrero australiano). Sombreros vaqueros en la legendaria marca Stetson. En la marca americana Bailey (hacen envíos a España). En la tienda alemana sombreroshop. En la tienda francesa Bon Clic Bon Genre. En la tienda barcelonesa Corbeto’s Boots. Sombreros de todos los tipos del Antiguo Oeste en la web americana Historical Emporium.

 

Coonskin. Es un sombrero de piel de mapache. Fue popular entre los niños de la mitad de los años 50 en Estados Unidos debido a la miniserie de televisión de Disney “Davy Crockett”. Aunque el actor Fess Parker llevaba el sombrero con la cara del mapache, en la versión para niños carecía de ella. Este tipo sombrero fue adoptado por los europeos como gorra de caza al colonizar las áreas de Tennessee y Kentucky en los siglos XVIII y XIX. Sombreros de piel de mapache en la tienda canadiense FurHat World.

 


Para elegir la talla de sombrero hay que usar una cinta de costura, normalmente amarilla, y medir el perímetro de la cabeza por su parte más ancha en centímetros. Si tu medida está entre dos tallas elegir la más grande de las dos. Hay tallas de la 52 a la 65, pero se ven más de la 56 a la 60, o incluso por letras, S, M, L, XL…

Según la forma de la cara van bien unos sombreros u otros. Si uno tiene la cara alargada debe elegir un sombrero con ala corta, y si uno tiene la cara más bien redonda elegir con ala grande. A las personas de baja estatura les favorece sombreros de copa alta y de ala corta levantada. A las personas altas les favorece con ala grande. El sombrero pork pie no favorece a las caras redondas ni cuadradas. El fedora no favorece a aquellos que tengan frente ancha y mandíbula estrecha. Y el player no queda bien en aquellos con cara más bien redonda.

Marcas buenas de sombreros pueden ser: Stetson, Borsalino, Bailey, Country Gentleman, Kangol, Kaminski…

Los fabricantes miden la calidad de los sombreros de fieltro por su densidad. Cuanto más denso mayor calidad. Un sombrero de fieltro de lana es de calidad normal, es menos denso, más asequible. Si se mezcla lana con pelo de conejo aumenta la densidad, y por tanto la calidad. Si el sombrero es solo de pelo de conejo es de gran calidad. Y si se mezcla pelo de conejo con pelo de castor será excepcional.

 

Los sombreros de fieltro tienen sus cuidados y mantenimiento:

El mejor sitio para guardar el sombrero es en una caja de sombreros o sombrerera, la cual hay que dejarla en un lugar donde no haya demasiada humedad, ni mucho calor, ni luz directa del sol, etc., y mejor con algún producto antipolillas dentro. Para sacar el sombrero se levanta con las dos manos a la vez, una mano en el ala delantera y la otra en la trasera. Cajas de sombreros en Sombrerería MIL

Si se deja colgado el sombrero evitar dejarlo colgado siempre del mismo lado.

El sombrero se peina una vez por semana o cada dos semanas. Hay que usar un cepillo, mejor de cerdas naturales y peinar en la dirección natural de las fibras. Después hay que pasar el sombrero por un pequeño chorro de vapor (como el de una tetera) para que se desinfecte y revitalice el fieltro.

Si se moja el sombrero hay que limpiarlo con un paño suave y dejarlo secar un lugar ventilado y alejado del calor. También hay algunos sombreros repelentes al agua.

En pequeñas manchas del fieltro utilizar un paño húmedo haciendo un ligero movimiento circular, sin mucha presión. Si es una mancha persistente hay que acudir a un centro especializado en reparación de sombreros.

 

Los sombreros están hechos para llevarlos por lugares al aire libre, por lo tanto hay que quitárselos cuando se entra y se queda en una casa, restaurante, etc.

 

 

Acceso a parte 1. Gorras              Cazadoras y chaquetas

 

Gorras y sombreros. Parte 1/2

Las gorras son un complemento muy interesante. Además de abrigar del frío y proteger del sol es una prenda que marca estilo.

 

En la década de 1950 las gorras se asociaban a los hombres de la clase trabajadora, además de llevarlas también los niños. Igualmente, las gorras fueron populares en los años 50 como ropa informal de sport para diversas actividades, como conducir un coche (se les llamaron gorras de conducir), jugar al golf o cazar.

 

Las hay de varias formas, cortes y tejidos. Podrían clasificarse, según las formas, en irlandesas, hatteras, duckbill y de motorista. Veámoslas una por una:

 

Las irlandesas (arriba), también llamadas newsboy (vendedor de periódicos), suelen estar construidas por ocho o seis trozos de tela triangulares (gajos) con un botón cosido en el centro. Es ancha por los lados. La visera es moderadamente grande.

 

Las hatteras son como las irlandesas, pero son menos anchas, más estilizadas. También llevan botón arriba.

 

Las duckbill (pico de pato), también están compuestas por ocho o seis gajos, o incluso por trozos alargados. La visera no está separada, es continua con la forma y no llevan botón.

 

Las de motorista. Ocho gajos suelen forman un círculo, llevando algunas un botón cosido en el centro. La visera, habitualmente de cuero, claramente está diferenciada del resto. También suelen llevar una tira de cuero en la parte frontal o bien un cordón decorativo (foto).

 

Por tejidos, las de cuero son las más caras. Llevan un mantenimiento y no suelen ser adecuadas para la lluvia, aunque hay algunas que son impermeables.

Invierno: las de lana virgen abrigan mucho y son también caras. Éstas se suelen mezclar con otros tejidos como seda, lino, cachemir, lana normal, poliamida, etc. Después siguen las de lana, o lana mezclada con poliamida, poliéster, lino, algodón, etc. Luego las de algodón con otros tejidos. Y por último las de poliéster con otros tejidos. Puede haber muchas combinaciones de tejidos.

Verano: las de lino y seda son las mejores. Las de algodón son menos caras.

 

Los gorras están hechas para llevarlas por lugares al aire libre, por lo tanto hay que quitárselas cuando se entra y se queda en una casa, restaurante, etc.

 

Las viseras de estas gorras (menos las de motoristas) suelen estar entre 4 y 6 cm. de longitud.

Para elegir la talla de la gorra, hay que usar una cinta de costura, normalmente amarilla, y medir el perímetro de la cabeza por su parte más ancha en centímetros. Si tu medida está entre dos tallas elegir la más grande de las dos. Hay tallas de la 52 a la 65, pero se ven más de la 56 a la 60, o incluso por letras, S, M, L, XL… Marcas buenas son Stetson, Bailey, City Sport, etc.

 

Gorras. Tienda francesa (castellano)

Gorras. Tienda alemana (castellano)

Gorras. Tienda británica (castellano)

Gorras de motorista. Etsy

Tienda Rockabilly Rules

 

 

Acceso a parte 2. Sombreros.

 

Guitarras eléctricas asequibles para rockabilly y equipo para iniciarse

Guitarras eléctricas, amplificadores, pedales, fundas, estuches, correas, púas y afinadores, todo ello nuevo de precios asequibles y medios, adecuadas para tocar música rockabilly y rock and roll, además de varios métodos para aprender e iniciarse en el mundo de la guitarra eléctrica.

 

La guitarra eléctrica es un instrumento esencial en la música rockabilly. La pasión por la música es algo que te acompaña a lo largo de toda la vida, no sólo en la adolescencia, que es cuando más suele marcar un tipo de música, sino también cuando se tienen unos cuantos tacos. Ya tengas 17, 37 ó 57 años ahora mismo es un buen momento para iniciarse en la guitarra eléctrica. Basta con mirar a Brian Setzer, que estaba en 2019 con 60 años rockeando por todo el mundo con los Stray Cats llenando recintos con miles de personas. O bien a Larry Collins, que con sólo 11 años tocaba la guitarra eléctrica de doble mástil y actuaba en televisión con su hermana Lorrie en 1954 formando el dúo The Collins Kids. También es cierto que hay que dedicarle tiempo y dedicación al aprendizaje y práctica de la guitarra eléctrica, puede que dos o tres horas a la semana, pero es una afición que merece la pena, porque se ve cómo progresas, se crea un espíritu de superación, se desarrolla la creatividad, se ejercita la memoria y además da mucha satisfacción. Si luego te juntas con dos o tres se puede formar un grupo, y en el local de ensayo es donde se materializan las canciones que quizás más adelante se puedan escuchar en los escenarios. Sea como sea, y tengas la edad que tengas, si te atrae la idea de tocar la guitarra eléctrica aquí tienes unas cuantas propuestas para elegir, dependiendo del presupuesto de que dispongas y del sonido, prestaciones y estética que busques.

 

Las guitarras eléctricas, al igual que los bajos eléctricos, se pueden clasificar según su construcción, en semiacústicas y macizas, lo que hace que el sonido que generan sea diferente. Las guitarras semiacústicas son guitarras eléctricas con el cuerpo total o parcialmente hueco. Las guitarras macizas son guitarras con cuerpo de madera macizo. Las semiacústicas están compuestas por las guitarras de caja (hollow body), las guitarras de semicaja (semihollow), las ahuecadas (chambered) y las thinline. Las guitarras de caja tienen el cuerpo completamente hueco, por lo que producen un sonido más abierto, acústico, redondo y con más graves, pero con poco sustain y se acoplan fácilmente con el amplificador. Las de semicaja tienen un bloque de madera en la parte central del cuerpo, quedándose huecos los lados, producen un tono acústico pero más «nasal», con más sustain que las de caja y se acoplan menos. Las ahuecadas tienen cámaras de aire y canales dentro del cuerpo, pero están cerradas por fuera, tienen un punto acústico y buen sustain. Las thinline tienen los lados huecos y una abertura en f, con un sonido similar a las de semicaja. Las guitarras macizas tienen un sonido muy definido, nítido y marcado, con mucho sustain y no se acoplan. 

 

 

 

 

 

Guitarras semiacústicas (hasta 600 €)

 

 

GUITARRAS DE CAJA (HOLLOW BODY)

 

Gretsch G2420 Streamliner Pinchar

Gretsch G2420T Streamliner (con Bigsby) (foto de arriba)

Gretsch G2420T-P90 Streamliner (con Bigsby, limitada)

Epiphone Wildkat Pinchar

Epiphone Wildkat (Bigsby)

Epiphone Casino Coupe

Epiphone Casino

Ibanez AF55 Pinchar

Ibanez AF75

Ibanez AF75G

Ibanez AG85 Pinchar

Ibanez AG75G

 

 

GUITARRAS DE SEMICAJA (SEMI HOLLOW)

 

Epiphone Dot ES-335 Pinchar

Epiphone Dot Deluxe

Epiphone ES-339 Pro

Epiphone Riviera Custom P93 (con Bigsby) Pinchar

Epiphone Uptown Kat ES

Gretsch G2655 Streamliner Pinchar

Gretsch G2655T Streamliner (con Bigsby)

Gretsch G2622 Streamliner

Gretsch G2622T Streamliner (con Bigsby)

Guild Starfire I DC Pinchar

Guild Starfire I SC

D’Angelico Premier SS Pinchar

Tokai ES73 Pinchar

Tokai ES78

Ibanez AS53 Pinchar

Ibanez AS73

Ibanez AS73G

Ibanez AM53 Pinchar

Ibanez AGS73FM Pinchar

 

 

GUITARRAS AHUECADAS (CHAMBERED)

 

Gretsch G2210 Streamliner Junior Jet Club Pinchar (Gretsch las llama Solid Body) 

Gretsch G2215-P90 Streamliner Junior Jet Club

Gretsch G5421 Electromatic Jet Club

Gretsch G5425 Electromatic Jet Club

Gretsch G5220 Electromatic Jet BT

Gretsch G5230T Electromatic Jet FT (con Bigsby)

Gretsch G5222 Electromatic Double Jet BT

Gretsch G5232T Electromatic Double Jet FT (con Bigsby)

 

 

GUITARRAS THINLINE

 

Tokai ATE60 Thinline Pinchar

 

 

 

Guitarras macizas (hasta 600 €)

 

 

FORMA TELECASTER

 

Squier Affinity Series Telecaster MN Pinchar

Squier Classic Vibe (CV) ’50s Telecaster MN Pinchar

G&L Tribute Asat Classic Pinchar

Tokai ATE52 Pinchar

 

 

FORMA STRATOCASTER

 

Squier Classic Vibe (CV) ’50s Stratocaster MN Pinchar

G&L Tribute Legacy Pinchar

Tokai AST52 Pinchar

 

 

FORMA LES PAUL

 

Epiphone Les Paul SL Vintage Sunburst Pinchar

Epiphone Les Paul Junior VSB (una pastilla)

Epiphone Les Paul Special TV Yellow

Epiphone Les Paul Standard ’50s

Tokai ALS65S GT Pinchar

Tokai ALS62 GT

Tokai LSS58

 

 

OTRAS FORMAS

 

Airline H44 STD Pinchar 

Airline H44 DLX

Airline Twin Tone Pinchar

Airline Twin Tone – The Duke Signature

Airline Jupiter TT    

 

 

 

Amplificadores (hasta 500 €)

 

 

DE VÁLVULAS, de 4 a 22 W

 

SubZero Tube-5W (Gear4music) Pinchar    

Bugera  V5 Infinium (foto de arriba) Pinchar

Bugera V22 Infinium Pinchar

Fender Super Champ X2 Pinchar

Vox AC4C1-12 Pinchar

Vox AC10 Custom Pinchar 

Koch Jupiter Junior 20 Combo (híbrido) Pinchar 

 

 

DE TRANSISTORES, de 10 a 30 W

 

Fender Champion 20 Pinchar

Fender Frontman 10G Pinchar

Vox Pathfinder 10 Pinchar

Vox VX15GT Pinchar

Vox amPlug 2 Blues (para auriculares) Pinchar

Roland Blues Cube Hot Pinchar

Roland Cube-10GX Pinchar

Cort CM15R Pinchar

 

 

 

Pedales (hasta 100 €)

 

 

DELAY

 

Los efectos del delay y slapback echo se pueden conseguir con alguno de los siguientes pedales, o bien, en algunos amplificadores de transistores suele venir incorporado el delay. Si se usa el delay o slapback echo no es recomendable añadir el efecto de la reverb, porque resulta muy recargado el sonido.

 

tc electronic Echobrain Analog Delay

tc electronic Gauss Tape Echo

tc electronic Flashback 2 Mini Delay

Caline CP-17 Time Space Echo Delay

Nux Tape Core Deluxe

Joyo R-10 Nascar Delay

Joyo R-07 Aquarius Delay+Looper

Palmer Timepressor

 

En la tienda de Thomann Pinchar

En la tienda de Music Store Pinchar

 

 

OVERDRIVE

 

Si se quiere tocar en limpio no hay que poner ningún pedal de overdrive y los amplificadores de válvulas no hay que ponerlos a demasiado volumen. Para conseguir sonidos crunch, o de distorsión, se puede subir el volumen del amplificador de válvulas hasta llegar a ellos. Los amplificadores del tipo DSP con transistores (amplificadores de modelado) emulan amplificadores históricos, como el Fender ’59 Bassman Tweed. Si lo tiene basta con seleccionarlo. En todos los amplificadores, con sonido limpio, se puede poner alguno de los siguientes pedales de overdrive para buscar sonidos con ligera distorsión o sonidos crunch dejando el control de Drive o Gain en un nivel bajo:

 

tc electronic Cinders Overdrive

tc electronic El Cambo Overdrive

tc electronic Tube Pilot Overdrive

tc electronic MojoMojo

Caline CP-25 Highway Man Overdrive

Joyo R-02 Taichi Overdrive

Joyo R-01 Tauren Overdrive

Behringer VT999

Boss SD-1 Overdrive

Boss BD-2 Overdrive

T-Rex Diva Drive

T-Rex Fat Shuga (con reverb)

Electro Harmonix Hot Tubes Nano

Electro Harmonix East River Drive

Ibanez Tube Screamer Mini 

 

En Thomann Pinchar

En Music Store Pinchar

 

 

Cables

 

La guitarra eléctrica se conecta por medio de un cable de clavija jack mono de 6,3 mm. de diámetro al amplificador. Han existido guitarras estéreo, donde el sonido de una pastilla va por un canal y la otra por otro, pero la inmensa mayoría de las guitarras son mono. Si se conecta a un pedal se necesitarán dos cables. La calidad de los cables es muy importante, ya que reducirán ruidos y aguantarán mas tiempo. Hay cables con contactos bañados en oro. Para practicar en casa con una longitud de 1,5 metros o así es suficiente. También hay cables pequeños para conectar entre pedal y pedal.

 

En Thomann Pinchar

En Music Store Pinchar

 

 

Fundas y estuches

 

Para guardar la guitarra y transportarla se utilizan fundas, si son con acolchado protegerán más, o bien, estuches rígidos o maletas, que son más seguros, pero valen más. Hay marcas independientes que son más económicas que las propias marcas de guitarras, que también fabrican sus estuches y fundas. Buscar la forma adecuada para el tipo de guitarra.

 

En Thomann Pinchar

En Music Store Pinchar

 

 

Correas

 

Para sujetar la guitarra mientras se toca de pie (o sentado) se usa una correa. Las hay de cuero, nailon, polipropileno, algodón… Además de las marcas que fabrican correas también las marcas de guitarras hacen las suyas propias. Existen unos seguros para que la guitarra no se suelte de forma accidental (strap locks), pero para ello hay que desatornillar los enganches originales de la guitarra.

 

En Thomann Pinchar

En Music Store Pinchar

 

 

Púas

 

Para tocar la guitarra se usan púas o bien se toca con los dedos. Hay muchas formas de púas, pero la más habitual es en forma triangular con las esquinas redondeadas. Dependiendo del material de la púa el sonido de la guitarra puede cambiar, pudiendo sonar más brillante, neutro o apagado. Los materiales suelen ser de celuloide, nailon, Tortex o Delrin, Ultex o Ultem, acetal, acrílico, acero, aluminio, madera, etc. Las de nailon suelen llevar un relieve para que se agarren mejor. Se puede probar con un grosor medio de 0.73 mm. y si no va bien se puede probar otra más gruesa o bien más fina, hasta encontrar el grosor y material adecuado. En general, grosores más finos son para hacer ritmos y grosores más gruesos para hacer solos. Se venden packs de púas de varios grosores y varios materiales. En la marca Dunlop hay gran variedad de estilos y materiales de púas. Púas que van muy bien para guitarra eléctrica en la marca Dunlop pueden ser los modelos Tortex, Gator Grip o Delrin 500, aunque también van bien en otros modelos y marcas. Para la técnica del fingerpicking se encaja una púa en la yema del dedo pulgar, o bien, el pulgar, índice, corazón y anular. Estas púas para fingerpicking pueden ser de plástico o metal y lleva un tiempo acostumbrarse a ellas. O también, en vez de usar púas, se pueden dejar las uñas algo largas de la mano derecha (en diestros). Otro factor a tener en cuenta es que hay que cortarse habitualmente las uñas de la mano izquierda (en diestros) para tocar la guitarra. 

 

En Thomann Pinchar

En Music Store Pinchar

 

 

Afinadores de pinza

 

Son muy prácticos y económicos. Se pinzan, o clipsan, en la pala de la guitarra, y por medio de las vibraciones que se transmiten a través de la madera al tocar una cuerda al aire estos afinadores detectan la nota. Se mueve la clavija de la guitarra hasta encontrar la entonación que se busca. Los hay de muchas marcas. Están bien entre 10 y 20 € y que tengan buenas valoraciones.

 

En Thomann Pinchar

En Music Store Pinchar

 

 

Aprendizaje

 

Para aprender a tocar música rockabilly con la guitarra eléctrica se puede hacer por medio de libros, CD’s, DVD’s, vídeos, clases presenciales, clases online…

Libro: «Aprender a tocar la guitarra paso a paso». Editorial Blume. Muy útil si no sabes nada de guitarras ni de música o para asentar conocimientos. Pinchar

Libro: «100 Licks for Rockabilly Guitar», de Darrel Higham. En inglés, en Amazon: Pinchar

Libro: «Rockabilly Guitar», de Fred Sokolow. En inglés, en Amazon: Pinchar

Vince Gordon (The Jime). CD’s en inglés para aprender escalas, riffs, acordes, solos, etc. y también CD’s con música de acompañamiento para practicar. Pinchar

En la web de My Twangy Guitar puedes descargar lecciones en vídeo, previo pago, de una canción o packs de canciones: Pinchar

Curso de guitarra rockabilly de pago con videolecciones, en la web de Truefire, con tablaturas a la vez que toca. Mejor registrarse. Una videolección gratuita de demostración: Pinchar

La web Ultimate Guitar es para tocar versiones de canciones de los años 50 (y demás décadas) mostrando acordes, tablaturas y letra: Pinchar

En la web de Chordify se escribe en su buscador una canción o un artista o grupo y aparecen los esquemas de los acordes al mismo tiempo que va sonando la canción. Mejor registrarse: Pinchar

Es muy recomendable aprender a tocar la guitarra eléctrica con un profesor en una academia, escuela o tienda de música. Se puede hacer de forma presencial o en clases online con webcam por Skype, Zoom o similar. Se paga por clase o mensualmente. También hay vídeos gratuitos para aprender en Youtube como muestra y luego se pueden bajar cursos pagando. 

 

 

Guía para comprar una guitarra eléctrica estilo rockabilly

Guitarras eléctricas de los años 50

Efectos de guitarra eléctrica en los años 50

Amplificadores de guitarra eléctrica

 

Amplificadores de guitarra eléctrica. Parte 3/3

Los amplificadores de válvulas del tipo combo, y también de cabezal más pantalla, son los que mejor van para tocar música rockabilly y rock and roll. La histórica marca Fender, famosa por su gran calidad en sonidos limpios, es de las mejores para este fin, aunque también hay otras marcas de gran calidad. Veamos sus amplificadores.

 

Los modelos de amplificadores Fender que existieron en la década de 1950 fueron: Bandmaster, Bassman, Champ, Champion 600, Concert, Deluxe, Harvard, Princeton, Pro, Super, Tremolux, Twin, Vibrasonic, Vibrolux y White. Todos estos amplificadores tenían un acabado del mueble en tweed amarillo, excepto el Concert y el Vibrasonic, que eran marrones del tipo Brownface y el White de 1956, que era más bien blanco moteado.   

 

Fender tuvo cuatro tipos de muebles de amplificadores combo de válvulas en la década de 1950 del tipo Tweed, también llamados «blonde», que tienen un recubrimiento de tela de sarga de algodón lacada, de ahí el color amarillo, estos son:

 

– Frontal con forma de televisor, de 1947 a 1953. Pinchar

– Frontal en forma de V (visto desde arriba), de 1947 a 1953. Pinchar

– Panel ancho (profundidad ancha), de 1953 a 1955. Pinchar

– Panel estrecho (profundidad estrecha), de 1955 a 1960. Pinchar

 

Los amplificadores del tipo Brownface tienen este nombre debido a que su panel frontal es marrón, se produjeron de 1959 a 1963. Fender utilizó Tolex para cubrir estos amplificadores, que es un material de vinilo flexible e impermeabilizante. Sólo había 6 amplificadores recubiertos de Tolex, estos eran la serie profesional, compuesta por los amplificadores: Bandmaser, Concert, Pro, Super, Twin (o Blonde Twin) y Vibrasonic. La serie de estudiantes seguía siendo de tweed, es decir, el Champ, Harvard y Princeton. En 1961 Fender lanzó un cabezal de válvulas con el efecto de la reverberación y en 1963 incorporó la reverb en el amplificador Vibroverb. La marca llamó erróneamente vibrato al efecto del trémolo. Pinchar     

 

Los amplificadores del tipo Blackface, de 1963 a 1967, tenían el panel de control negro y los potenciómetros con números en forma de sombrero con faldón negro, aunque los primeros grandes combos y cabezales con pantalla del tipo Blackface tenían los cuerpos cubiertos en Tolex rubio, pero con el nuevo panel frontal negro. En 1964 se empezó a cubrir los muebles de Tolex negro. En la actualidad, una gran parte de los amplificadores que vende Fender son del tipo Blackface. Pinchar    

 

Los amplificadores del tipo Silverface tienen la placa frontal de aluminio pulido, también se les llama Chromeface. Se construyeron de 1967 a 1981. Además también tenían un etiqueta azul en esta placa, aunque alguno era roja. Las rejillas eran de color plateadas, negras y azules, pero también hubo otras en naranja en vez de azul, y otras todas de negro. En 1977 se agregó el potenciómetro del Volumen Master. Pinchar

 

Fender también lanzó al mercado amplificadores de transistores en 1966, haciendo una gran campaña de marketing, pero al final resultaron ser un gran desastre. Fender hizo una segunda serie de los Blackface, de otras series, además también ha hecho reediciones, amplificadores de modelado, etc.

 

Amplificadores Fender de segunda mano de las décadas de 1950 y 1960 en la web de Reverb Pinchar.

 

Esta es la web de Fender Pinchar.  

 

 

Amplificadores Fender nuevos interesantes del tipo combo de válvulas pueden ser:

 

Más asequibles, son los tres siguientes: Pro Junior IV Lacquered Tweed (15 vatios, 1 altavoz de 10 pulgadas, 10,4 Kilos); Blues Junior IV (15 W, 1×12, 14,3 K) y Blues Junior III Lacquered Tweed (15 W, 1×12, 14,1 K).

De 5 a 15 vatios: ‘68 Custom Princeton Reverb (12 W, 1×10, 25,1 K); Woody Pro Junior 60th Anniversary (15 W, 1×10, 10 K); ‘57 Custom Champ (5 W, 1×8, 6,8 K); ‘65 Princeton Reverb (15 W, 1×10, 15,7 K); ’57 Custom Deluxe (12 W, 1×12, 16,5 K); ‘64 Custom Princeton Reverb (12 W, 1×10, 14,5 K).

De 20 a 22 vatios: Super Sonic 22 Blonde (22 W, 1×12, 18,2 K); ’68 Custom Deluxe Reverb (22 W, 1×12, 23,8 K); ’65 Deluxe Reverb (22 W, 1×12, 19,1 K); ’64 Custom Deluxe Reverb (20 W, 1×12, 17,3 K).

De 35 a 45 vatios: Blues Deluxe Tweed (40 W, 1×12, 20,4 K); Hot Rod Deluxe IV (40 W, 1×12, 18,6 K); ’68 Custom Vibrolux Reverb (35 W, 2×10, 19 K); ’59 Bassman LTD (45 W, 4×10, 24 K); ’65 Super Reverb (45 W, 4×10, 29,5 K); ’57 Custom Twin Amp (40 W, 2×12, 25,4 K).

De 60 a 85 vatios: Hot Rod Deville 212 IV (60 W, 2×12, 25,1 K); ’68 Custom Twin Reverb (85 W, 2×12, 29 K); ’65 Twin Reverb (85 W, 2×12, 29 K).

 

Estos amplificadores Fender mencionados están en las tiendas de Music Store y Thomann. Son emblemáticos el ’59 Bassman LTD, con sus tonos crunch constantes; el ’65 Deluxe Reverb, tonos claros y nítidos; y el ’65 Twin Reverb, rico en frecuencias altas y bajas, que con un techo de 85 vatios es ideal para grandes escenarios. El efecto de la reverb es innecesario si se usa el efecto del slapback echo o del delay. Brian Setzer usa un amplificador de cabezal más pantalla Fender Bassman 6G6-B de 1963 de 50 vatios y pantalla de 2×12″, además de una unidad Roland RE-301 Chorus Echo. 

 

Más marcas de amplificadores:

 

 

Magnatone. Marca creada en 1937 de amplificadores de excelente calidad construidos en Estados Unidos Pinchar. En la tienda de Thomann Pinchar. (Ver parte 1).      

Vox. Marca británica fundada en 1957. El AC15, el AC10 y el AC30 se crearon en esta década Pinchar. En Euroguitar Pinchar.

Peavey. (USA) Es interesante la serie Classic, donde se encuentra el Delta Blues 115 Tweed Pinchar. En Thomann Pinchar.

Supro. (USA) Puede ser interesante la serie Delta King, de 1, 5 y 15 W Pinchar. En Thomann Pinchar

Standel. Marca histórica creada en 1953. Se venden desde California. Pinchar   

Gibson. Amplificadores de segunda mano de las décadas de 1950 y 1960 en la web de Reverb Pinchar. (Ver parte 1).

Gretsch no produce amplificadores en la actualidad, pero los hay de segunda mano en Reverb Pinchar. (Ver parte 1).

 

Un amplificador de válvulas económico y apropiado para practicar en casa, con potencias conmutables entre 5 W, 1 W y 0,1 W, con reverb y con salida para auriculares es este Bugera V5 Infinium Pinchar. También es interesante y económico el SubZero Tube-5W, de la tienda británica Gear4music, con altavoz Celestion de 8″, aunque no tiene reverb ni salida para auriculares Pinchar.

Unos pequeñísimos amplificadores para auriculares, de 8 cm., muy prácticos y económicos, ideales para practicar en casa sin molestar a los vecinos, o para llevarlos de viaje o incluso para practicar antes de una actuación, son el Vox amPlug 2 Blues Pinchar (más variedad de sonidos) y el Vox amPlug 2 AC 30 Pinchar

Un buen amplificador de válvulas para ensayos y para actuaciones en salas pequeñas y bares puede ser este Fender Blues Junior III Lacquered Tweed de 15 W Pinchar

 

Amplificadores combo de válvulas de todas las marcas en la web de Thomann Pinchar y en Music Store Pinchar

Válvulas de amplificador en Thomann Pinchar y en Music Store Pinchar.

Partes y componentes de amplificadores, como altavoces, chasis, rejillas, transformadores, placas, botones, etc., en la web cántabra de Retroamplis Pinchar. En la tienda de Mojotone, de Carolina del Norte (USA), exportando a España Pinchar

 

 


 

Los amplificadores de boutique son amplificadores más caros que los que se hacen de serie, porque llevan partes de la construcción y componentes electrónicos de mayor calidad, las soldaduras se hacen a mano (pueden ser cientos), al igual que todo el montaje. Y no hay que olvidar la creación de todo el diseño para perseguir un tono especial que está en la cabeza del diseñador y que no lo ha encontrado en un amplificador existente. Normalmente lo hace todo una persona sola, un ingeniero (o técnico) electrónico o de sonido, o puede que alguno más. También hay grandes marcas, como Fender o Vox, que hacen ediciones limitadas de amplificadores hechos a mano, que pueden llevar los mismos altavoces y válvulas y tener los mismos vatios que los de serie, aunque también pueden tener algunas partes un poco más caras, pero la mayor diferencia del precio se encuentra en la mano de obra, por estar hechos a mano, y además en Estados Unidos o Reino Unido. Los mejores amplificadores fabricados en serie en los años 50, 60 y 70 se parecen mucho a lo que hoy llamamos amplificadores de boutique. La mayoría de los amplificadores disponibles en esas décadas estaban fabricados en masa, pero esto no detuvo a los artistas de esas eras. También se puede pensar que un amplificador hecho con soldaduras punto a punto es de mayor calidad que un amplificador con circuitos impresos, pero esto no es cierto, porque los electrones no distinguen si van por un cable de cobre o por una pista de un circuito impreso. Si un punto a punto está mal diseñado va a sonar mal. Lo que pasa es que como en los años 50, 60 y 70 los amplificadores estaban hechos así, porque era la tecnología que existía en esas décadas y son amplificadores míticos o legendarios, pues la gente los quiere así, pero en realidad no influye en el sonido el tipo de soldadura. Pistas anchas y componentes electrónicos grandes no significa que vaya a ser mejor, es más, puede ser perjudicial, porque puede haber más interferencias o ruidos. Dicho esto se puede llegar a la conclusión de que no se necesita un amplificador caro para tocar la guitarra eléctrica y esto no tiene nada de malo, es algo normal. Pero hay otros que sí persiguen esa cualidad extra que sienten con un amplificador hecho a mano, y si esto les inspiran y sienten que tienen una ventaja con este producto pues también es algo completamente válido. Veamos las marcas de amplificadores de boutique:

 

Victoria. Amplificadores de gran calidad construidos a mano en Estados Unidos. La mayoría llevan acabado tweed Pinchar. En las tiendas de Auvisa Pinchar

Victory. Marca de amplificadores de gran calidad hechos a mano en Gran Bretaña Pinchar. En Music Store Pinchar

Tone King. Amplificadores de válvulas de diseño vintage de gran calidad hechos en USA Pinchar. En Thomann Pinchar   

Matchless. Marca californiana de amplificadores de alta calidad Pinchar. La tienda británica Rebellion Guitar hace envíos a España Pinchar

 

Hay otras marcas de producción limitada para el mercado estadounidense, como son Nocturne Pinchar, Carr Amps Pinchar y Lil Dawg Pinchar.

 

George. Marca española de amplificadores de boutique de gran calidad Pinchar. La web del distribuidor Amptek Pinchar

General. Marca de amplificadores de boutique ubicada en Tarragona Pinchar. Se venden en la tienda gallega Estudio-54 Pinchar.  

 

La tienda holandesa Haar Guitars dispone de marcas de amplificadores de gran calidad y de boutique que son difíciles de encontrar, como Komet, Matchless o Fuchs. Hace envíos a España Pinchar

 

 

Acceso a parte 2                       Acceso a parte 1       Efectos de guitarra eléctrica en los años 50

 

Amplificadores de guitarra eléctrica. Parte 2/3

Los amplificadores de guitarra eléctrica se pueden encontrar en dos configuraciones: una es en forma de combo, y la otra en forma de cabezal más pantalla (o bafle). En un amplificador combo va todo junto en un mueble, el amplificador en sí y el altavoz o altavoces. En la otra configuración va por separado, por un lado la parte electrónica en un cabezal y por otro lado los altavoces en una pantalla o bafle, colocándose el cabezal encima de la pantalla. En la década de 1950 sólo existían amplificadores del tipo combo de válvulas. 

Los amplificadores de guitarra eléctrica suelen llevar un preamplificador y un amplificador, también llamados previo y etapa de potencia, respectivamente. La señal de la guitarra es muy débil (de milivoltios), la cual entra en el previo y es aumentada un poco. Además se puede modificar gracias a los controles del panel, con los potenciómetros de los graves, medios, agudos, etc. A continuación la señal entra en la etapa de potencia, lo que hace aumentar la amplitud de la señal hasta provocar que el altavoz produzca sonido.

Los amplificadores sencillos suelen tener un canal y una entrada de jack para conectar la guitarra. Pero también hay amplificadores que pueden tener dos (o más) canales, además de varias entradas del tipo jack. 

Hay modelos de marcas de altavoces que tienen su propio sonido, y una de las razones por la que algunos eligen un amplificador es por el sonido que dan esos altavoces. Aunque también se puede emular el sonido de los altavoces clásicos con un ecualizador que soporte la señal amplificada y con salida a los altavoces que tenemos.

La forma de amplificar el sonido se puede hacer por medio de válvulas o por transistores. En los años 50 sólo existían las válvulas, además de esto, las válvulas dan un mejor sonido, con sonidos más cálidos, ricos y con cuerpo que los que pueden dar los transistores. Sin embargo, los inconvenientes de los amplificadores de válvulas son varios: tienen un mantenimiento por el cambio de válvulas, son más caros, se calientan más y son más pesados.

Para practicar con la guitarra en casa es recomendable usar un amplificador de válvulas que no tenga mucha potencia, entre 1 y 5 vatios, aunque lo ideal es de 1 ó 2 vatios, o incluso menos de 1 vatio, para sacar la máxima tonalidad posible con muy poco volumen. Cuanto menos potencia tenga un amplificador más fácil será conseguir ese tono especial de la válvula con poco volumen. También hay algunos amplificadores de válvulas de 5 W que tienen un atenuador integrado y se puede reducir la potencia a 1 W y 0,1 W. Por otra parte pueden ser más económicos y versátiles para practicar en casa un amplificador de transistores con DSP, llamado amplificador de modelado, y que emula el sonido de amplificadores históricos, mejor de hasta 30 vatios y con salida para auriculares. Para ensayos y actuaciones son más adecuados amplificadores de válvulas de mediana y alta potencia, la suficiente para llegar al volumen acústico de la batería, aunque también se puede «microfonear» un amplificador de poca potencia. Con 15 vatios y altavoz de 12 pulgadas es suficiente para ensayos y para actuaciones en pequeñas salas de conciertos o en un bar. En general, cuantos más vatios tenga el ampli mayor será el rango de sonido limpio antes de que se empiece a saturar o distorsionar, pero también habrá mas kilos para transportar. Los amplificadores de válvulas necesitan estar a cierta potencia para que suenen bien. Para practicar en casa con amplificadores de gran potencia, sobre todo de cabezal y pantalla, se usan unos aparatos llamados atenuadores, que son unos aparatos que se conectan entre el amplificador y el bafle, y lo que hacen es que el amplificador trabaje con buena potencia, pero el atenuador la reduce, llegando a los altavoces un menor volumen. Para volúmenes bajos es recomendable resaltar los graves para que se oiga mejor el sonido.

Con un amplificador de válvulas a un volumen muy alto se produce una «distorsión agradable» al oído, en cambio, los amplificadores de transistores a volúmenes altos suelen producir una «distorsión fea”. Pero para llegar a estas distorsiones agradables tienen que «sufrir» los oídos, y a mediados de los años 70 se inventó el volumen master, que lo que hace es que con el mando de volumen normal en un nivel alto se produzca la distorsión que buscamos, y luego, con el mando de volumen master, se regula para que no suene tan fuerte el sonido. 

Para encender un amplificador de válvulas suele haber dos selectores, Standby y Power. Con el primer selector fijado en el lado Standby (sin sonido) se mueve el otro selector de Power a On, esperar uno o dos minutos a que se calienten las válvulas, aunque también hay quienes esperan 10 minutos, y luego poner el selector de Standby en On, ahora ya se puede tocar la guitarra. Para apagar, poner el selector de Standby en Standby, esperar unos minutos a que se enfríen las válvulas, hay quienes esperan de 20 a 30 minutos, y luego el otro selector moverlo de On a Power, ahora ya estaría apagado del todo. Aunque, como sostiene un reputado experto, también hay otra opción, o técnica, para apagarlo, que sería poner el volumen al 0 y después cambiar el selector de encendido a apagado, es decir, mover de On a Power, sin tocar el selector de Standby. En realidad, según dice este experto, los amplificadores de válvulas no son tan delicados como se pueda creer. El selector del Standby no hace falta, según dice, esto viene de cuando en el pasado las radios de válvulas, u otros sistemas, tenían que estar encendidas las 24 horas del día y al mover el selector al lado de Standby se quedaban las válvulas con un voltaje de mantenimiento. Pero hoy en día ya no es realmente necesario, porque al apagar el amplificador los condensadores se descargan y listo. En cambio, en algunos amplificadores con el selector del Standby en Standby y luego al apagarlo con el Power algunos condensadores se quedan cargados, lo cual no es bueno para los condensadores. Así, de esta manera, la próxima vez que encendamos el amplificador al estar el volumen en 0 no pegará el “golpe” de los altavoces en los oídos, lo cual sí es perjudicial. Por otra parte también se dice que para que perdure más las válvulas no hay que desconectar el jack de la guitarra sin tener puesto antes el selector en Standby, o bien, según la técnica comentada anteriormente, poner el volumen al 0 y desconectar. Mejor leer el manual de instrucciones para salir de dudas.           

Las válvulas de los amplificadores tienen una durabilidad limitada y hay que cambiarlas de vez en cuando (años). Las del preamplificador aguantan más tiempo que las de la etapa de potencia. Para el cambio de las válvulas depende de muchos factores, como las horas encendidas, el nivel de potencia usado o las vibraciones que tienen que absorber. Para que haya una mayor duración de las válvulas hay que respetar el tiempo de calentamiento y enfriamiento, no mover mucho el amplificador, o si se mueve siempre en frío y con cuidado, evitar golpes al amplificador, etc. Dependiendo del tipo de válvula, fabricante y demás factores, una válvula puede durar aproximadamente 1500 horas de funcionamiento, pero esto es solo una estimación. Las válvulas se suelen cambiar cuando empiezan a cascar, cuando el sonido del amplificador no suena como debería, que en general suelen ser varios años. Si una válvula del previo falla, una de dos, o hace mucho ruido el amplificador o deja de funcionar, se sustituye la válvula y listo, y no hay que ajustarlas. O también, si al encender el amplificador aparece un ruido se puede probar a intercambiar las válvulas de posición (del mismo tipo) y puede que disminuya ese ruido. 

La etapa de potencia puede llevar una, dos o cuatro válvulas, trabajando por pares, o bien en solitario si es una sola. Hay que comprar válvulas del mismo tipo que trae el amplificador, aunque se puede comprar de otra marca, pero tienen que estar emparejadas por la propia marca de válvulas, si compramos dos o cuatro. Al comprar válvulas nuevas puede haber alguna que no funcione, pero esto no se puede evitar, porque ha podido salir bien de la fábrica y luego se rompe. En realidad, lo menos fiable de un amplificador de válvulas son… las válvulas.

Hay varias clases de amplificadores de válvulas, que se clasifican por la forma de trabajar las válvulas. Pueden ser amplificadores de clase A, A/B, B, C… El tipo de salida puede ser single ended (clase A) o push-pull. Los amplificadores de clase A pueden llevar dos válvulas en paralelo, en vez de llevar sólo una. Los que más se suelen usar son los de clase A y A/B.          

Cuando se cambian las válvulas viejas por las válvulas nuevas en los amplificadores de clase A no hay que hacer muchos ajustes, pero no estaría de más que un técnico revise el amplificador por si hubiera que cambiar alguna pieza para que trabaje mejor con las nuevas válvulas y hacer un ajuste de BIAS alguna vez, aunque no es tan necesario como en los de clase A/B. En amplificadores de pequeña o mediana potencia que sean de una sola válvula no necesitan ningún ajuste, porque es auto-BIAS, se ajusta solo, es solo cambiar la válvula y listo. En los amplificadores de clase A/B hay que hacer un ajuste del BIAS obligatoriamente cuando se cambian las válvulas. Un técnico electrónico lo puede hacer, o bien, se puede llevar a una tienda de instrumentos con servicio técnico. 

Los pasos para ajustar el BIAS en amplificadores de clase A/B, o de clase A (pero menos común), serían los que vienen a continuación, pero hay que tener mucho cuidado con este tema, porque puede ser peligroso, ya que hay que andar con voltajes altos conectados, de 400 a 500 voltios de tensión continua, pudiendo llegar a ser mortal. Si no se entiende de este tema mejor que lo haga un técnico electrónico.

Se necesita un multímetro, un destornillador de estrella, un destornillador plano fino y dos (o cuatro) válvulas nuevas emparejadas del mismo tipo que las que trae el amplificador. Y además, es muy recomendable tener un BIAS tester, para tener mayor seguridad y evitar posibles calambrazos, que se vende en internet. Un BIAS tester es un dispositivo que consta de uno o dos zócalos (mejor con dos) conectados por uno o dos cables a un mando-selector. Pues bien, con el amplificador apagado se quita el panel trasero con el destornillador de estrella. Hay que asegurarse que los altavoces estén conectados y además bien conectados, si no, se puede romper el transformador de salida. Con el amplificador apagado sacamos dos válvulas viejas de la placa del amplificador e insertamos dos válvulas nuevas en los zócalos del BIAS tester y ahora éstos con las válvulas nuevas los colocamos en la placa del amplificador. El amplificador ahora lo encendemos, primero el Power, se espera el tiempo necesario para que se caliente bien y luego se da al botón de Standby. El multímetro se coloca para medir tensión continua, y se conecta con las bornas roja y negra al mando-selector del BIAS tester. El mando-selector lo colocamos en modo voltios de la placa y nos da el voltaje de la placa, por ejemplo da 486 voltios, lo apuntamos. Ahora hay que calcular el valor al cual lo queremos ajustar, en miliamperios. Los fabricantes recomiendan ajustar sus válvulas entre un 50% y un 70% de su potencia, pero esto es un valor general que depende del tipo de válvula, se puede comprobar las características en unas tablas de la marca de las válvulas en internet. Con un ajuste más bajo del BIAS sonará más “frío” el amplificador y aguantará más tiempo las válvulas y con un ajuste más alto sonará más “cálido” pero aguantarán menos tiempo. Por ejemplo, una válvula 6L6GC tiene una potencia máxima de disipación de 30 vatios y la queremos dejar en un 60%. Entonces el 60% de 30 vatios son 18 vatios. Ahora hay que dividir los vatios que queremos poner entre los voltios que hemos medido para así hallar la intensidad. En este caso sería 18 W dividido entre 486 V y nos da 0,037 amperios, es decir, 37 mA. A continuación cambiamos el selector del BIAS tester para medir voltios en el BIAS, aunque en realidad es intensidad, sin embargo el multímetro hay que dejarlo en tensión continua, porque así está configurado el BIAS tester, y aparecerá en el multímetro la intensidad que hay en la válvula. El siguiente paso es localizar el potenciómetro del BIAS, en Fender es una pieza redonda azul, y con mucho cuidado, porque está encendido el amplificador y puede ser peligroso, se va girando con el destornillador plano fino, a la vez que se va comprobando con el multímetro, y se ajusta al valor en miliamperios que buscamos, en este ejemplo 37 mA. Como este BIAS tester es de dos válvulas seleccionamos una válvula y da un valor, con el selector cambiamos a la otra válvula y puede que dé otro valor. El potenciómetro del BIAS afecta a todas las válvulas, por lo que hay que buscar un valor intermedio de las dos válvulas usando el selector del BIAS tester a la vez que vamos ajustando el potenciómetro, es decir, se puede dejar una válvula a 36 mA y la otra a 38 mA. Si están las válvulas «matcheadas» o emparejadas, el ajuste será óptimo. Una vez hemos ajustado el BIAS hay que apagar el amplificador, se da al selector de Standby y más tarde al de Power. Entonces se quita de la placa los zócalos del BIAS tester junto con las válvulas, pero pueden estar las válvulas todavía calientes, se espera un poco o se usa un trapo para no quemarnos. Se colocan las válvulas en la placa del amplificador y se atornilla el panel trasero. Trabajo terminado. Esta es una forma de ajustar el BIAS, pero dependiendo del equipo que tengamos puede ser de otra manera. 

Hay que añadir que con el paso del tiempo (años) o con muchas horas con las válvulas encendidas, debe reajustarse el BIAS en los amplis de clase A/B, porque han podido derivarse a más frías o más calientes y por lo tanto puede sonar el amplificador de otra manera. Otra cosa que debe formar parte del mantenimiento, además del ajuste del BIAS, es la comprobación de las resistencias de cátodo o de pantalla, porque puede estar rota alguna y no nos enteramos. Han podido romperse cuando una válvula falla o se rompe, entonces salta el fusible y se lleva una resistencia por delante. Para saber más sobre el BIAS Pinchar.

En un concierto o gira es recomendable llevar otro amplificador más pequeño, válvulas de repuesto y fusibles. Cambiar las válvulas a un amplificador antes de un concierto es algo muy arriesgado. Es mejor dejar las que tiene y hacer el cambio después, con su ajuste de BIAS si es de clase A/B, que hacer el cambio antes del concierto y luego se rompa una válvula.

Así es el mundo de los amplificadores de válvulas, pero merece la pena todo este esfuerzo por el sonido que se consigue con ellos.

 

 

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Amplificadores de guitarra eléctrica. Parte 1/3

Un poco de historia

 

La historia de los amplificadores se remonta a la década de 1920, cuando llevaban voluminosas baterías, eran caros, pesados y difíciles de transportar. Estos amplificadores fueron construidos como sistemas de megafonía, o bien, se usaban para instalaciones de teatro. A finales de esta década se empezaron a crear amplificadores de corriente alterna, enchufándolos a la red, con transformador, válvulas y condensadores. Eran amplificadores portátiles con un asa, de tipo maleta, con menos de 10 vatios de potencia y altavoces de 10 pulgadas o menos. Por otro lado tuvieron éxito las resonadoras de las marcas National y Dobro con conos de altavoces acústicamente excitados. George Beauchamp, quien inventó la pastilla electromagnética, se juntó con Adolph Rickenbacker. En 1931 se creó la primera guitarra eléctrica, que era de estilo hawaiano, una lap steel guitar (guitarra de acero de regazo), que se toca en horizontal encima de las rodillas. Era la Rickenbacker A22 “Frying Pan”, y en 1932 comenzaron a producirse en serie. Más tarde se crearían las console steel guitars y después las pedal steel guitars. En los años 30 y 40 se empezaron a vender y popularizar los amplificadores para las guitarras lap steel. Solo en el año 1935 las marcas Electro/Rickenbacker vendieron más guitarras eléctricas y amplificadores que todas las guitarras eléctricas y amplificadores juntos de todos los años anteriores. También en este año Gibson creó la pastilla P-90 y la colocó en sus nuevas guitarras lap steel. Un año después, en 1936, Gibson presentó su guitarra ES-150, que incorporaba esta pastilla, fue la primera guitarra Electric Spanish. Este nombre se debe a que se tocaba en vertical, como las guitarras españolas, a diferencia de las lap steel guitars de estilo hawaiano, que se tocaban en horizontal. A finales de los años 30 se popularizaron las guitarras eléctricas de estilo español gracias al guitarrista Charlie Christian que tocaba una Gibson ES-150. Estas guitarras de caja de tapa arqueada electrificadas junto con los amplificadores fueron usados por las big bands de jazz en los años 30. Hacia el final de la II Guerra Mundial las big bands empezaron a dejar de estar de moda y surgieron formaciones de boogie-woogie, rhythm and blues, western swing y honky-tonk donde adoptaron también el uso de la guitarra eléctrica, ya que daba a unos pocos músicos la potencia de toda una sección de vientos. Las guitarras de tapa arqueada con una pastilla eran la elección en los grupos de baile de finales de los años 40, pero las guitarras macizas (solid guitars) también empezaron a ganar terreno, porque tenían otras ventajas. 

 

A mediados de los años 40 tuvo relevancia la marca Fender, que fabricó tres amplificadores en 1946, estos son: Princeton, Deluxe o Model 26 (foto de arriba) y Professional. Los coleccionistas llamaron a estos amplificadores “Woodies”, ya que son de madera vista, quedándose con este nombre. En la década de 1950 se establecieron los amplificadores de la serie “tweed”, también llamados «blonde», que eran amplificadores combo de madera recubiertos con una tela de algodón lacada (de ahí el color amarillo) de rayas diagonales (sarga). Eran como las maletas de la época. Aunque en realidad el tweed es de lana gruesa, no algodón, aunque tiene patrones de sarga, pero alternados. Los primeros tweeds de Fender fueron los llamados TV-fronts, con forma de televisor de la época si se miran de frente, surgieron en 1947. En 1953 cambiaron a los de mueble de panel ancho (profundidad ancha) y los últimos tweeds estuvieron vigentes de 1955 a 1960, los de panel estrecho (profundidad estrecha). De 1959 a 1963 aparecieron los amplificadores del tipo Brownface. Más información en la parte 3.

 

Pero había más marcas de amplificadores de guitarra eléctrica en los años 50. Gibson lanzó en 1948 el amplificador GA-50T (foto de arriba), con trémolo incorporado, y duró hasta 1954, el GA-25 es de 1948 también. En 1950 apareció el GA-30, el GA-20 es de 1951, de 1952 es el GA-40 Les Paul, el GA-77 es de 1955, el GA-6 de 1957, el GA-5T de 1959 y el GA-79 de 1960. Además Gibson fue predecesora de Fender, ya que a mediados de 1930 apareció el modelo EH-150. Los amplificadores Gibson eran más baratos que los Fender, pero no inferiores. Los amplificadores de Fender tuvieron más éxito que los de Gibson porque el marketing de Fender fue sobresaliente, en cambio en Gibson casi no existía. Además, cuando Gibson cambiaba un diseño apenas se notaba en el nombre. Asimismo, Gibson solo tenía un probador (endorser), a Les Paul, en cambio Fender tenía varios, como Buddy Holly, Bill Carson y Freddie Tavares, quienes estos dos últimos ayudaron a diseñar la guitarra Stratocaster y algunos amplificadores. Si se busca un amplificador Gibson y otro de Fender de la época tendrá probablemente un precio menor el de Gibson, con una calidad igual o mejor, por lo que puede resultar un «tesoro asequible». En la actualidad Gibson no vende amplificadores.

 

En 1953 el ingeniero Ray Butts diseñó un amplificador con el efecto del slapback echo de cinta magnética incorporado, era el amplificador EchoSonic. Utlizó un amplificador Gibson de 15 vatios. Pero solo produjo 68 amplificadores. Chet Atkins adquirió un amplificador EchoSonic a Ray Butts dándole a cambio su ampificador Fender Twin y 395 dólares. Scotty Moore compró otro en 1955 y Carl Perkins también lo tuvo. Este amplificador era el único en la década de 1950 que ofrecía el efecto del slapback echo en las actuaciones en directo, ya que era un efecto de estudio de las discográficas, y quien lo tuviera tendría una ventaja notable en los escenarios. En 2016 se vendió un EchoSonic por 11.500 dólares.

La marca de amplificadores Magnatone empezó haciendo amplificadores para sus lap steel guitars en 1937 (amplificadores Dickerson) hasta 1947. En 1947 se inició la era Magna, donde apareció la serie 100, la cual duró hasta 1954. De 1957 a 1961 estuvo vigente la serie Custom 200. Fueron dueños de amplificadores Magnatone los siguientes guitarristas: Eddie Cochran, tenía el Triplex; Scotty Moore el Model 213; Buddy Holly y Bo Diddley usaron el Model 280. En la actualidad venden amplificadores nuevos de excelente calidad.

La legendaria marca Standel se creó en 1953. Artistas como Merle Travis, Chet Atkins, Hank Thompson, Joe Maphis, Larry Collins o West Montgomery tuvieron un amplificador Standel. Hoy en día se siguen vendiendo desde Estados Unidos.

La marca Multivox Premier estuvo vigente desde los años 40 hasta los años 50. Eran amplificadores más asequibles que los Fender, pero de menos potencia. En 1947 lanzó el modelo Premier 66 que incorporaba el efecto del trémolo, pudiendo ser considerado el primer amplificador de esta categoría. Además, a principios de los años 60, lanzó la unidad externa (un cabezal) de reverb, el Model 90, que rivalizó directamente con el de Fender. También se usaron estos amplificadores para la armónica de blues.

Gretsch vendió varios modelos de amplificadores para acompañar a sus guitarras durante las décadas de 1950 y 1960. Estos fueron en realidad fabricados por la marca Valco y en la actualidad se han convertido en objetos buscados debido a su rareza en los años posteriores a la desaparición de Valco. Algunos modelos de Gretsch fueron: Electromatic Tweed, Electromatic Tweed Twin de 1955 con trémolo, Western Electromatic de 1957, modelo 6161 de 1957 y Western Cowboy Electromatic Twin 6169 con trémolo. En 2010 lanzaron tres modelos al mercado, el G5222 Electromatic (como un Fender Champion), el G6163 Executive (con reverb) y el G6156 Playboy (con trémolo), estos dos últimos fueron construidos por la prestigiosa marca Victoria Amps. Se puede encontrar alguno de segunda mano en la web de Reverb. En la actualidad Gretsch no fabrica amplificadores.

Las marcas Valco y Supro fueron el resultado de la fusión de las marcas de guitarras resonadoras National y Dobro a principios de los años 30. Valco fabricaba amplificadores para Supro, la cual tuvo mucho éxito en la escena del sur de Chicago, estableciendo un tono que es sinónimo de blues. El Supro Thunderbolt de 1964 es un amplificador legendario. Hoy en día se venden amplificadores Supro nuevos.

La marca británica de amplificadores Vox se creó en 1957. En 1958 lanzó el AC15 y en 1959 el AC10. También en 1959 el AC30, que tenía el doble de potencia que el AC15. Todos ellos incorporaban el efecto del trémolo. En la actualidad se venden nuevos estos amplificadores.

El efecto del trémolo se incorporó en muchos amplificadores de la década de 1950, aunque algunas marcas lo llamaron erróneamente vibrato, y el efecto de la reverb no se empezó a incorporar en los amplificadores hasta principios de los años 60, apareciendo primeramente cabezales de válvulas con este efecto.

 

 

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Efectos de guitarra eléctrica en los años 50

 

Efectos de guitarra eléctrica en los años 50

En la década de 1950 los efectos de guitarra eléctrica fueron más bien escasos. Muchos de los sonidos o efectos de guitarra que asociamos a la década de 1950 provenían de las técnicas de grabación de estudio, o bien, se incorporaron a los amplificadores. Los sonidos de guitarra rockabilly y rock and roll se pueden resumir básicamente en un término clave: slapback echo. Este efecto lo creó y utilizó generosamente el productor, ingeniero de sonido y locutor Sam Phillips en los años 50 durante las sesiones de grabación en el Sun Studio de la discográfica Sun Records, en Memphis, para agregar profundidad y más realismo a una grabación. El slapback echo va genial para la guitarra eléctrica. El overdrive no era un pedal como tal, sino que se conseguía por medio de subir el volumen del amplificador de válvulas. Otro efecto fue el trémolo, ya sea en una unidad externa o incorporado en los amplificadores. La reverberación estuvo ausente entre los guitarristas de la década de 1950, porque se añadía en los estudios de grabación. Aunque parezca sorprendente, hay que resaltar que pocos guitarristas de la década de 1950 disponían del efecto slapback echo en las actuaciones en vivo (sólo se construyeron 68 amplificadores con este efecto), y ninguno disponía de la reverb, porque eran efectos de estudio. Puede que fuera algo chocante entre los seguidores que iban a los conciertos a ver a sus artistas favoritos ese cambio de sonido respecto a lo que oían en los discos.

 

El slapback echo. El efecto de sonido slapback echo (eco de vuelta de la percutida) lo creó y usó Sam Phillips para las grabaciones de Elvis Presley utilizando dos grabadoras Ampex 350 de cinta magnética. Era un eco mono con un retardo de 134 a 137 milisegundos, aunque también hay opiniones que dicen que está entre 75 y 250 ms. y con poca o ninguna repetición. Si este efecto se hubiera creado en estéreo, habría sido diferente, con otros resultados. Cuando más tarde, en noviembre de 1955, Elvis se pasó a la discográfica RCA VICTOR, simularon este efecto usando un altavoz en un extremo de un pasillo y un micrófono en el otro extremo en vez de usar un eco de cinta, mostrando retardos algo más cortos y menos pronunciados, en concreto de 82 ms. También hubo otro tipo de efecto de eco en los estudios RCA VICTOR de Hollywood, el retardo era de 111 ms. Para leer un informe técnico completo de este tema Pinchar (ver archivo pdf). El inventor y guitarrista Les Paul también descubrió el efecto del eco. La discográfica RCA consiguió dar con el efecto slapback echo de la Sun Records y corrigió las canciones de Elvis al lanzarlas al mercado en formato CD.

 

Por otro lado, al ingeniero Ray Butts se le ocurrió que a los guitarristas también les gustaría tener este efecto en el escenario y diseñó en 1953 un amplificador con este efecto incorporado, el amplificador EchoSonic (foto de arriba). El amplificador EchoSonic era el único dispositivo de producción comercial que tuvo el efecto slapback echo hasta 1960. Butts utilizó un amplificador Gibson de válvulas de 15 vatios al que incorporó un sistema de cinta magnética movido por un motor eléctrico produciendo un efecto de eco en el sonido. Chet Atkins adquirió un EchoSonic, con el cual grabó gran parte de su música. Scotty Moore oyó las canciones de Atkins por la radio y se dio cuenta del sonido. Aunque en aquellos años Moore trabajaba para Sam Phillips y el estudio Sun tenía este efecto, encargó un EchoSonic a Ray Butts para emular el sonido de Chet Atkins. Scotty Moore lo usó desde 1955, con la canción «Mystery Train» de Elvis Presley, hasta 1968. Para saber más del EchoSonic de Scotty Moore Pinchar. También tuvo otro Carl Perkins. Pero Ray Butts sólo construyó 68 amplificadores EchoSonic, y por eso, aunque parezca sorprendente, la mayoría de las actuaciones en vivo en la década de 1950 carecían del efecto slapback echo en la guitarra y en la voz, excepto quienes disponían de estos amplificadores. La marca Ecco-Fonic fue la primera que tuvo el efecto slapback echo en una unidad externa de válvulas, separada del amplificador, en 1959. Fue distribuida por la marca Fender, y estuvo vigente hasta 1963 o poco más, porque fue desplazada por los Echoplex. En 1961 se comercializó la unidad externa a válvulas de efecto de retardo de cinta Echoplex, que era una copia del efecto del amplificador EchoSonic. Fue diseñado por el técnico Mike Battle y a día de hoy se considera un estándar. También se dice que Mike Battle perfeccionó una unidad de este efecto del guitarrista Don Dixon. A la primera versión del Echoplex se le llamó a posteriori EP-1 (al principio sólo Echoplex) y la siguiente versión mejorada EP-2. La unidad EP-2 tuvo una reedición moderna, llamándose The Plex Tube Echo Chamber. En 1962 la patente del Echoplex fue comprada por Market Electronics, manteniendo como consultores a Battle y Dixon, y comercializando este efecto con el distribuidor Maestro, de ahí el nombre Maestro Echoplex. También se puede desconectar el efecto de retardo y conseguir un sonido cálido, rico y con cuerpo gracias a las válvulas que llevaba. A partir de 1970 se les instalaron transistores a los modelos EP-3 y EP-4. En 2019 la marca Echoplex fue adquirida por Jim Dunlop que la utiliza para un pedal digital que emula el sonido de retardo de cinta y para otro pedal de preamplificación.

En el efecto slapback echo es muy interesante (y cara) la unidad Fulltone Tube Tape Echo, nueva, desde Estados Unidos Pinchar. De segunda mano en la web de Reverb Pinchar. Se pueden encontrar alguna unidad original del Echoplex Maestro en la web de Reverb Pinchar. La unidad Roland RE-201 Space Echo con cinta magnética y que existió de 1974 a 1990, está de segunda mano en la web de Reverb Pinchar. El Roland RE-301 Chorus Echo (1977), más caro y con chorus (para emular la impureza de la frecuencia de un eco de cinta) de segunda mano en la web de Reverb Pinchar. También se vende nueva, la simulación de la unidad Roland RE-201 en un doble pedal, el Boss RE-20 Space Echo Pinchar. La marca Boss pertenece a Roland, ambas son japonesas. Unidades de eco de cinta en la marca australiana Echo Fix, también tienen recambios para los Echoplex, en la web de Thomann Pinchar. El WEM Watkins Copicat Echo, en un maletín, con cinta magnética, de segunda mano en la web de Reverb Pinchar. El equipo Binson Echorec era la unidad de eco de alta gama de la época, también está de segunda mano, pero a unos precios muy altos Pinchar. Diversas unidades de eco de cinta de los años 60 en la web de Reverb Pinchar. El T-Rex Replicator era un pedal con una especie de cinta de cassette, ya descatalogado Pinchar. Pedal nuevo que emula fielmente el eco de cinta con muchos ajustes, el Strymon El Capistan Pinchar. En la marca Carl Martin hay dos pedales muy interesantes: el Echotone Pinchar y el Red Repeat Pinchar. El pedal digital Jim Dunlop Echoplex, que emula el Echoplex EP-3 Pinchar. También es interesante este pedal analógico, el Boss DM-2W (Waza Craft) Pinchar. El pedal de delay digital Boss DD-3T Pinchar. Pedales de delay y echo de todas las marcas en la web de Thomann Pinchar.

Para los ajustes de este efecto hay diferentes versiones, como poner un tiempo aproximado de 90 milisegundos, de una sola repetición y con un nivel de efecto alto. En el Sun Studio estaba de 134 a 137 ms. También se dice que se ajusta entre 100 y 200 ms, de 3 a 5 repeticiones y con un nivel del 40%. Se puede apoyar la mano derecha (en diestros) en las cuerdas, cerca del puente de la guitarra (palm muting). En el slapback echo, o el delay, no es recomendable añadir el efecto de la reverberación, porque resulta muy recargado o «turbio» el sonido. Además de esto, la reverb no se empezó a usar de forma generalizada hasta principios de los años 60.

 

El overdrive no era un pedal propiamente dicho en la década de 1950. Los sonidos más ásperos y crujientes que se escuchaban en el rockabilly y en el rock and roll se producían por amplificación. Con un volumen muy alto en el amplificador de válvulas se conseguía esta clase de sonidos. En realidad, el efecto overdrive es una saturación suave y cálida que simula el efecto producido por el incremento en la señal que produce un amplificador a válvulas. En general, los amplificadores de válvulas de la marca Fender son los que mejor van para música rockabilly, aunque también van bien en otras marcas. Los amplificadores Bassman de Fender se crearon para los bajistas en 1952, para acompañar al bajo Precision, pero también fueron utilizados por otros tipos de músicos. Con el amplificador combo de válvulas Fender ’59 Bassman LTD (Lacquered TweeD) de 45 vatios con 4 altavoces Jensen de 10 pulgadas (foto de abajo) se pueden conseguir esos sonidos crocantes y esas distorsiones ligeras. Sin embargo, un posible inconveniente de este amplificador es que con el cambio de volumen cambia drásticamente el nivel de distorsión y esto no resulta práctico para tocar en directo, ya que normalmente se ajusta el volumen del amplificador dependiendo del tamaño y la acústica del local o sala de conciertos. 

 

Para conseguir el sonido del amplificador Fender ’59 Bassman LTD a cualquier volumen, se puede conectar alguno de los siguientes pedales a un amplificador en limpio (mejor de válvulas), como este pedal SansAmp GT2 de Tech21 Pinchar. También el pedal de Boss FBM-1 (ya descatalogado) emula este mítico amplificador Pinchar. El pedal analógico Boss SD-1W consigue el sonido crujiente de los amplificadores de válvulas de los años 50 Pinchar. Otro pedal analógico interesante también puede ser el Boss BD-2W Pinchar. El pedal Jim Dunlop EP-101 Preamp simula el sonido del Echoplex EP-3 sin eco, en un nivel alto se consigue una cálida overdrive Pinchar. También es interesante el pedal de overdrive OKKO FX Diablo Pinchar. El amplificador Fender ’59 Bassman LTD se puede conseguir nuevo (reedición), de 45 vatios y 24 Kg. de peso en las tiendas de Musicopolix.

 

El efecto de trémolo se incluyó en muchos amplificadores de la década de 1950. Se podría decir que el efecto del trémolo es la fluctuación constante del volumen de un sonido. La primera unidad externa compacta para guitarra se construyó en 1946, era el DeArmond 601 (foto de abajo).

 

El primer amplificador con trémolo lo creó la marca Danelectro en el año 1947 (el mismo año que se creó la empresa) y la patente se le otorgó en 1949. Pero la marca de amplificadores Multivox lanzó al mercado en 1947 el modelo Premier 66, que incorporaba el efecto de trémolo, pudiendo ser éste el primer amplificador a la venta con este efecto. Gibson presentó el amplificador GA-50T con trémolo en 1948, y también lo llevaba el modelo Falcon. Multivox y Gibson ganaron la partida a Danelectro. Fender fue más tardía, incluyó el efecto trémolo en sus amplificadores Tremolux (1955) y Vibrolux (1956). Los amplificadores de los años 50 y 60 llevaban circuitos del tipo LFO (en los Brownface de Fender) y otros amplificadores llevaban un trémolo de cambio de fase (en los Magnatone). Para saber más sobre los diferentes tipos de trémolos en los amplificadores de válvulas Pinchar. Muddy Waters utilizó el efecto trémolo en la canción “Flood” en 1953. También Bo Diddley lo usó en la canción de 1955 “Bo Diddley” y Link Ray en la famosa canción de 1958 “Rumble”.

Se vende alguna unidad original del DeArmond 601, pero a un precio elevado, en la web de Reverb Pinchar. Un pedal interesante puede ser el Fulltone CS Supa-Trem2 V2 Tremolo Pinchar, y más pequeño el Fulltone Supa-Trem Jr. Tremolo Pinchar. Un trémolo en la marca Diamond Pinchar. En la marca Supro Pinchar. En Source Audio Pinchar. Un pedal a válvulas de Fender Pinchar. El pedal Boss TR-2 Pinchar. Un pedal algo más asequible en la marca tc electronic Pinchar. Pedales de trémolo de todas las marcas en Thomann Pinchar

 

La reverberación (reverb) es un efecto natural. En la década de 1950 se agregó este efecto a las grabaciones por varios métodos. Uno de estos métodos fue el que utilizó Duane Eddy y que incluyó en algunas canciones de los años 50, como «Rebel Rouser», y que consistía en un gran tanque metálico, o cisterna, con varios miles de litros de agua dentro, a modo de cámara de eco, pero difícilmente transportable a un escenario (foto de abajo). Este tipo de reverb puede ser considerada la primera que fue grabada.

 

Fender lanzó al mercado en 1961 un cabezal a válvulas de reverb de muelles (spring reverb). En 1963 incluyó una reverb dentro de sus amplificadores del tipo Blackface, haciéndose popular su uso en la música surf en los años 60 gracias a estos amplificadores de Fender. Suena diferente un cabezal de reverb a válvulas que una reverb incluida en sus amplificadores. Fender se hizo el líder supremo de la reverberación. La reverb de muelles (spring reverb) se consigue con un tanque metálico (o caja metálica) con dos (o tres) muelles para que el sonido viaje y se produzcan reflejos y vibraciones. De esta manera se replica una sensación de espacio. Otro tipo de reverb es la reverb de placa (plate reverb), que se hizo famosa a finales de los 50 y principios de los 60. Se usaban grandes máquinas de reverberación de una placa metálica en los estudios de grabación. La reverb de placa utiliza un controlador para amplificar un señal en una placa de metal. La guitarra suena realmente bien, con un sonido más suave pero con carácter. Se usó mucho en la música del Spaghetti Western. Otros tipos de reverberación natural para recrear espacios similares a los que se escucharon en las grabaciones de los años 50 son los del tipo room (habitación) y hall (vestíbulo, auditorio). Los guitarristas de la década de 1950 no disponían del efecto de la reverb en las actuaciones en directo, porque era un efecto de estudio 

Cabezal de reverb a válvulas de Fender de los años 60 en la web de Reverb Pinchar. Pedal nuevo de Fender con trémolo y reverb Pinchar. Pedal de reverb en la marca JHS Pedals Pinchar. Reverb de muelles Carl Martin HeadRoom Pinchar. En la marca tc electronic Pinchar. El pedal Boss RV-6 Pinchar. Pedales de reverb de todas las marcas en Thomann Pinchar

 

 

Amplificadores de guitarra eléctrica

Guía para comprar una guitarra eléctrica estilo rockabilly

Guitarras eléctricas asequibles para rockabilly y equipo para iniciarse

Guitarras eléctricas de los años 50

 

Cervezas. Parte 3/3

Beber directamente de una botella o lata de cerveza es una manera práctica de tomarla, pero se introduce más aire en el estómago, lo que hace que uno se empache antes y además impide que el aroma de la cerveza entre por la nariz. El beber cerveza en un vaso, copa o jarra es la mejor manera de degustarla por todos los sentidos.

Para cada tipo de cerveza hay un tipo de recipiente adecuado, ya sea una jarra, vaso o copa. Las jarras llevan un asa, lo que impide que el calor de la mano haga calentar la cerveza, son ideales para cervezas suaves y refrescantes. Las jarras altas son adecuadas para cerveza tipo Vienna. Además existen jarras tradicionales fabricadas en cerámica, metal o madera, con motivos decorativos, festivos, florales, etc. La jarra toby tiene forma de soldado del siglo XVIII. Las jarras que llevan tapa se usaban para impedir que las moscas tocaran la bebida. Un artículo muy interesante sobre las jarras alemanas: Pinchar. El tubo y el vaso Weizen es para la cerveza alemana y aromática. El vaso pilsener va perfecto para la cerveza de este tipo. La copa tipo cáliz es ideal para cervezas espesas e intensas, como las ale belgas y las Bock alemanas. La copa oversized para cervezas de abadía y trapenses. La pinta va bien para cervezas oscuras como la stout o la Bock, contiene 568 mililitros (20 onzas imperiales, vaso nonick), aunque en Estados Unidos son 473 ml (16 onzas estadounidenses, vaso shaker). Las de forma de globo para las cervezas fuertes inglesas. Vaso de forma de tulipa para la cerveza de frutas o bière de garde. Una copa alargada y estrecha es ideal para cerveza tipo faro, que son afrutadas y gaseosas. También hay vasos especiales y curiosos como uno con forma de bota de origen alemán, el Bierstiefel, de un litro; la copa Kwak, de esta marca, con el fondo redondeado, por lo que necesita un portavasos de madera a modo de probeta; o la cerveza belga Gulden Draak, en forma de huevo de dragón. Tipos de vasos en la web de verema, en la web de The Beer Times, para comprar vasos en la web de estu Cerveza.

 

 

La temperatura ideal de servicio de las cervezas depende de la clase que sea. Si es del tipo lager se recomienda servir entre 3,5 y 7,5 grados, siendo las más frías las más ligeras y las menos frías las de más cuerpo. Si es del tipo ale se recomiendan temperaturas entre 4,5 y 14 grados, siendo las brown ale, porter y stout las más templadas, a temperatura de bodega, es decir, de 12 a 14 grados. En las del tipo lambic de 4 a 12 grados, eligiendo las temperaturas más frías para las lambic afrutadas. En algunas cervezas, en el cartón del pack, viene escrito la temperatura de servicio, o si no, visitar la web de la marca para comprobrarlo. Al sacar una cerveza del frigorífico suele estar a 5 grados, si es una lager con cuerpo y la dejamos de 5 a 10 minutos a temperatura ambiente suele alcanzar los 7,5 grados, dependiendo de la temperatura ambiente. También se puede probar a dejar una cerveza del tipo ale 20 ó 30 minutos afuera, siendo un tiempo mucho menor si hace 30 grados de temperatura. Existe en el mercado mini-neveras para bebidas donde se puede seleccionar la temperatura, por ejemplo en la marca Klarstein, donde también hay un modelo de estilo fifties. Por otro lado, en las cervezas artesanales sobre todo, lo ideal sería no romper nunca la cadena del frío, es decir, que esté fría desde el final de la elaboración de la cerveza, pasando por el almacenamiento, el transporte y llegando fría a los expositores refrigerados, pero esto es muy complicado al no haber una infraestructura suficiente.

Una guía de temperaturas de servicio según el tipo de cerveza:

  • Pale lager de 3,5 a 7,5 grados.
  • Blonde ale de 4,5 a 7,5 grados.
  • Hefeweizen (cerveza de trigo sin filtrar) de 7 a 10 grados.
  • Pale ale/IPA de 4,5 a 7,5 grados.
  • Amber ale de 8 a 12 grados.
  • Red ale de 8 a 10 grados.
  • Brown ale de 12 a 14 grados.
  • Porter de 12 a 14 grados.
  • Stout de 12 a 14 grados.   

 

 

Para servir bien una cerveza en un vaso se requiere una técnica adecuada. El vaso nunca debe de estar congelado, porque la espuma no se forma bien, no se ve bien la cerveza y porque el hielo no deja apreciar bien los sabores, sobre todo en las cervezas densas. Por otro lado, si el vaso está caliente hay que refrescarlo con agua fría antes de servir. También, algunas marcas, en sus instrucciones del modo de servir dice que hay que mojar la copa por dentro con agua, tirarla y a continuación echar la cerveza. En muchos bares, al tirar una caña del grifo, le echan un poco de agua al vaso y luego la escurren. Esto se suele hacer para que el gas carbónico que lleva la cerveza resbale en el vaso y disminuya su contenido, por lo que al beber la caña tragaremos menos gas y así nos empacharemos menos. Por otro lado, los entusiastas de las cervezas artesanales dicen que nunca hay que echar agua al vaso.

La técnica para servir cerveza depende del tipo de cerveza que sea, por lo que es diferente servir una pilsener que una de abadía que una stout que una de trigo. Y también es diferente tirar una caña que una pinta y una jarra que una copa de cerveza. Las cerveza de trigo requieren un vaso más inclinado que frene la espuma. Con una cerveza tipo stout ha de inclinarse muy ligeramente. Hay algunas marcas de cervezas que en el cartón del pack viene escrito cómo hay que servirlas, o mejor comprobarlo en la web de la marca. 

Una cerveza tipo pilsener se sirve en el vaso en tres tiempos: con la botella en la mano derecha (en diestros) y el vaso en la mano izquierda a un ángulo aproximado de 45 grados vamos echando la cerveza en la pared sin que se apoye la botella en el vidrio, cuando llegue la cerveza hasta la mitad del vaso (otros dicen tres cuartas partes) inclinarla con la mano izquierda a unos 80 grados hasta que la espuma llegue al borde del vaso. Ahora poner el vaso en vertical y llenar, levantando la botella, hasta que la espuma rebose un poco. Al final debe quedar una buena corona de espuma en el vaso de al menos 2 cm. de espesor. También hay quienes van girando el vaso gradualmente con la mano izquierda sin parar empezando desde los 45 grados, en vez de hacer tres tiempos definidos.

 

La cerveza belga trapense Chimay azul se sirve en tres tiempos, sin embargo, en otras marcas de trapenses, se sirven de otra manera. La temperatura ideal de servicio es de 10 a 12 grados. En una copa tipo cáliz echar agua mineral (o del grifo), dejarla unos segundos, si se van a servir más copas pasar el agua a otras copas, al final tirarla. Poner la copa a 45 grados e ir echando la cerveza por la pared hasta haber echado un 50% aproximadamente. Dejar la copa apoyada en la mesa y esperar unos segundos para que repose. Ahora coger la copa en vertical y verter suavemente con la botella en el centro de la copa otra parte, parar un poco. Con la mano derecha en la botella darle unas vueltas para que la pequeña parte de cerveza donde queda el sedimento se mezcle bien con el resto de la cerveza, entonces muy suavemente echar el resto de la botella en el centro de la copa a la vez que se levanta la botella, para que se cree bien la corona.

La cerveza Irish stout Guiness (draught) tiene una temperatura ideal de servicio de 4 a 8 grados. Para servirla bien se coge el vaso de pinta irlandesa por su parte de abajo y se inclina a 45 grados, se va echando la cerveza despacio por la pared y cuando llega a sus tres cuartas partes se deja el vaso reposar encima de la mesa y, según la tradición, hay que esperar exactamente 119,5 segundos (casi dos minutos). En estos momentos de espera se produce visualmente un «efecto cascada», parece que la espuma cae de arriba abajo. Después de este tiempo se echa el resto de la cerveza más seguido en el centro para coronar, dejar reposar y al final deben quedar dos partes bien definidas, una corona cremosa blanca y el líquido de la cerveza prácticamente negra.

 

Hay muchos aficionados en el mundo que les gusta coleccionar objetos relacionados con el mundo de la cerveza, como envases, botellas, latas, etiquetas, chapas, tapones, posavasos, abridores, carteles publicitarios, pósters, cristalerías, pins, llaveros, jarras de cerámica, gorras, miniaturas, etc. Esta afición a este tipo de coleccionismo se le llama breweriana. Una web muy completa: Morean Breweriana. Carteles de publicidad estadounidenses: Pinchar. Y esta es una web para los coleccionistas de latas de cervezas: e Beer Cans.

 

 

 


 

Una enciclopedia para saber todo sobre las cervezas es: Birrapedia Enciclopedia     

Un gran catálogo para comprar cervezas del mundo, copas y vasos, equipamiento e ingredientes para hacer tu propia cerveza: Birrapedia       

En la web de HOPT puedes abastecerte de toda clase de cervezas, barriles, grifos, vasos, equipamiento para elaborar tu propia cerveza, etc.: HOPT   

Cervezas del mundo en: Cerveza Internacional     

Cervezas artesanales en: cervezas diferentes     

Cervezas en la web: estu Cerveza    

Una web americana (en inglés) dando opiniones y valoraciones de todas las cervezas del mundo: BeerAdvocate    

 

 

 

 

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